Articoli di Fondo

Il Regista

Con Marzia e Valeria abbiamo parlato approfonditamente di cosa significhi fare teatro e di cosa succede dietro le quinte;  quindi dopo “attori” e “scenografia”, nella genesi di uno spettacolo, manca solo una cosa (forse la più importante): la regia!

“Ma cos’è esattamente un regista?” vi chiederete, cari compari di avventure.
“Eh, bella domanda!” sarà la mia più sincera risposta.

Già infatti distinguendo tra i vari tipi di regia, ci rendiamo conto che non esiste una definizione univoca di regista, e se esistesse sarebbe riduttiva .

Di certo non parliamo di una regia cinematografica alla Kubrick, col regista sulla sua bella seggiolina che sbraita ordini nel megafono durante una scena, anche perché durante uno spettacolo a teatro sentire Giovanni Fiorinelli che urla “STOP, TAGLIA!” da dietro le quinte rovinerebbe un tantino l’atmosfera.

Rappresentazione della tipica regia della gilda durante le prove. Il “bianco e nero” è una necessità di produzione, solo agli spettacoli dal vivo siamo a colori

Quindi concentriamoci ora solo sulla regia di uno spettacolo teatrale.

Per capire meglio di cosa stiamo parlando possiamo prendere mille strade diverse ma, sarà per deformazione professionale, penso che il miglior modo di capire a fondo un concetto sia quello di sviscerarlo, andando per prima cosa a vedere come è nato millenni e millenni fa per poi seguirlo nella sua evoluzione fino ai giorni nostri.

Concedete quindi ad uno studente universitario di Storia con la passione del teatro di portarvi con lui in un breve viaggio attraverso la storia della regia.

Come ormai siamo abituati a leggere ovunque, il teatro è nato nell’antiche  Póleisgreche circa nel VI secolo A.C.In quel tempo lo scrittore dell’opera (“Didaskalos”: maestro) era anche considerato responsabile della messa in scena, dagli attori fino ai costumi e scenografia. Non era raro che il Didaskalos dirigesse anche il coro, componesse egli stesso la musica che accompagnava lo spettacolo o che addirittura partecipasse egli stesso all’opera che aveva composto, insieme alla compagnia di attori semi-professionisti da lui scelta.  Il titolo di “maestro” è emblema del fatto che questa figura non si limitasse solo ad organizzare gli attori, ma molto spesso insegnasse loro anche la nobile arte della recitazione (o del canto, nel caso dei cori). Insomma, un factotum di professione che non oso immaginare quanto stesse antipatico agli attori, ma che sapeva decisamente fare il suo lavoro.

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Didaskalos che guarda perplesso una maschera

Con l’assorbimento da parte dei Latini della cultura greca, fin dai primi anni della fondazione di Roma, si sviluppa anche qui un modo di fare teatro simile a quello greco. Ci sono però delle sostanziali differenze. Il ruolo del Didaskalos smette formalmente di esistere e, al suo posto, vengono a crearsi delle figure più settoriali: l’Auctor (autore), il Conductor (una sorta di direttore di scena ante litteram) e il Choragus (assimilabile a un moderno attrezzista).

Dopo un periodo di accentramento del potere organizzativo nelle mani di un Regista vero e proprio durante il periodo medievale e, successivamente, nel Rinascimento (questo era dovuto alla grande complessità delle tragedie portate in scena, spesso in ampi spazi aperti e con un grande numero di comparse e oggetti di scena), si tornò all’affermazione della gestione dello spettacolo da parte dell’intera compagnia con l’avvento della Commedia dell’arte.

Eh sì, perché non seguendo un copione, e quindi non essendoci un autore, lo spettacolo era tutto tenuto in piedi dalle abilità recitative e di improvvisazione degli stessi attori che componevano le compagnie itineranti!

A dirigere il loro lavoro con la creazione di canovacci e indicazioni di scena ci pensavano alcuni degli appartenenti alle compagnie. Attori che, forse per carisma, forse per doti organizzative particolari, riuscivano ad imporsi e a dare una direzione più stabile agli spettacoli.

Il più celebre è certamente Carlo Goldoni, che con la sua “riforma del tetro”, non solo organizzò una gestione più stabile alle compagnie, ma sostituì anche il loro canovaccio che usavano come base delle loro improvvisazioni, con un vero e proprio copione.

Il buon vecchio pacioccoso Goldoni, pronto a rivoluzionare il mondo del teatro

Il ruolo del regista moderno si può dire essere nato dalla messa in scena degli spettacoli della compagnia Meininger  in Sassonia verso la fine del XIX sec., inizio XX sec. Similmente ai direttori medievali, la enorme complessità d certe messe in scena necessitò la presa di posizione di un vero e proprio direttore di scena, che sapesse interpretare al meglio il copione (anche se non scritto da lui) e che riuscisse a coordinare al meglio i vari attori in scena per rendere al meglio quanto scritto su carta.

Da qui si generò la figura francese del “regisseur” (letteralmente “direttore”) poi italianizzato per assonanza in “Regista”.

*DRIIIIIIIIIN!!!!

Lezione di storia finita.

Ma in tutto questo, la Gilda come lavora? Anarchia degli attori? Dittatura della coppia reale “Ghezzi-Armanni”? Oligarchia dei grandi potenti vicini alla Diarchia come Marzia, Sara e Giovanni F.?

In realtà è un misto di quanto sopra (tranne l’anarchia degli attori: quella resterà solo un’utopia per noi poveri attorucci sottoposti, anche se penso che gli spettacoli uscirebbero delle discrete ciofeche senza direzione,sigh…).

Dato che a noi della Gilda qualsiasi cosa venuta dopo gli inizi del ‘900 non piace, seguiamo il modello ‘settecentesco scegliendo i registi tra i migliori attori della nostra compagnia, ma a differenza di Goldoni non sono sempre gli stessi (cambiano spesso da spettacolo a spettacolo, anche solo nelle combinazioni) e lavorano sempre in coppia per supportarsi e confrontarsi l’un l’altro. Il copione può essere scritto o riadattato direttamente da loro oppure da un altro membro della compagnia, come per esempio “Il principe scambiato”, scritto interamente da Miriam ma diretto da Giovanni F. e Stefano.

“Ma Gio, sei uno storico eccezionale e uno scrittore impareggiabile, ma non sarebbe il caso che fossero proprio i registi della Gilda a raccontare come lavorano e consa ne pensano del loro ruolo all’interno della genesi di uno spettacolo?”

Beh, caro lettore che a cui, avendo il totale controllo di questo articolo, faccio porre questa domanda dall’umile premessa, hai ragione! Per quanto sia un piacere lavorare con colleghi e amici così validi, è per me difficile entrare nelle loro testoline organizzative e dirvi più nel dettaglio cosa significhi dirigere uno spettacolo.

Andiamo allora sentire direttamente cosa dicono alcuni dei nostri “regisseur”:

Sara, veterana regista di mille spettacoli tra cui “La Famiglia dell’Antiquario” e “Le Allegre Comari di Windsor”,ci racconta la sua esperienza:

Marzia e Giovanni che, attenti ad ogni accento, si preparano a dare indicazioni durante le prove dell’Academy

-“Fare regia nel mio caso è stato: Collaborazione, osservazione,immedesimazione e immaginazione.

Collaborazione: ho co-diretto con Marzia, ci siamo sempre confrontate e abbiamo trovato compromessi tra le visioni di entrambe e, veramente, dove non arrivava una ci metteva una toppa l’altra.Basta anche solo pensare alla gestione delle stesse prove, dove lasciavo guidare il gruppo a Marzia, mentre io intervenivo dove serviva più disciplina o un esempio pratico sul dove volevamo andasse a parare l’intenzione degli attori di qualche scena.

 Osservazione: è solo l’esperienza degli anni e l’osservazionedel modo altrui di fare regia che ti permettono di avere gli strumenti per guidare altri verso la realizzazione del progetto, con stratagemmi e approcci vari; anche solo per apprendere la capacità di sapersi sintonizzare con l’attore che tu, come regista, hai di fronte.

Immaginazione: il regista deve avere già in testa chiaramente quello che vuol vedere realizzato.

Infine immedesimazione: in questa visione in cui sei tu regista che per primo ti immagini a recitare la scena che si vuol realizzare, devi far attenzione a tenere sempre la mente aperta. E’importantissimo dare spazio creatività dei tuoi attori! Questo fa sì che siano spronati a far proprio il personaggio a loro assegnato e a mettere in gioco la loro creatività, per poi addirittura finire col ritrovarsi fra le mani un modo di interpretare la scena in modo più efficace di quanto tu stesso abbia pensato in fase di progettazione.

Quindi direi che ci vuole una buona dose di rispetto sia da parte dell’attore (che si deve affidare alla guida del regista) chedel regista (che delle volte può fare un “passo indietro” e lasciar fare all’attore)

Nel mio caso mi sento un po’ un capitano che porta a termine la visione del generale-autore.”-

La dizione: grande nemico dell’attore in erba e chiodo fisso (a ragione) dei registi

Dello stesso avviso sono Miriam e Nicola, inseparabile coppia che anche se ultimamente non spesso alla direzione diretta delle opere in costruzione, visionano sempre tutto dall’alto e controllano che ogni spettacolo fili liscio prima che venga messo in scena.

-“A noi piace darci alla regia perché lo vediamo come un momento di “ricreazione del testo”. Quando scegliamo uno spettacolo su cui lavorare, già pensiamo a come dovrebbero apparire le scene; ma è solo durante le prove che avviene “la magia” e l’idea diventa spettacolo grazie all’interpretazione degli attori”-

Ci raccontano poi dei loro diversi modi di dirigere e montare uno spettacolo:

-”Io e Nicola abbiamo due stili un po’ diversi”- racconta Miriam  –“lui è più portato alla valorizzazione di alcuni aspetti comici, spesso esulando anche dal testo scritto, andando a creare delle situazioni divertenti con gli attori in un’ottica di improvvisazione. Io invece preferisco lavorare sul copione: ritengo sia una sfida interessante rendere al meglio il testo originale con tutti gli strumenti che attori e registi hanno ha disposizione.”-

_”Diamo molta importanza alla comunicazione non verbale e non partiamo mai da un preconcetto. Per noi è fondamentale il ruolo creativo dell’attore e delle sue idee. Abbiamo notato negli anni che imporre il proprio modo di fare su un attore impoverisce le possibilità espressive che potrebbe avere.”-

Ci danno infine un paio di consigli molto importanti:

-“… il testo è bello e rende solo se lo si rende proprio, ma la cosa più importante di tutte è divertirsi”-.

Possiamo quindi notare come sia assolutamente necessario, un dialogo continuo tra registi e attori, in modo da creare un’irresistibile sinergia che porta infine alla creazione di uno spettacolo che non sia solo basato sull’interpretazione del singolo, ma su quella di tutti!

Nessun ruolo imposto dall’alto e nessun capriccio degli attori sono alla base della buona riuscita dello spettacolo, tutto all’insegna della collaborazione, del rispetto reciproco ma, soprattutto, del divertimento.

Quindi, si’ore e si’ori, siamo arrivati alla fine di questa luuuunga  dissertazione sul ruolo del regista a teatro. Ci sarebbe molto altro da dire, ma penso che uno spettacolo ben riuscito sia assai migliore di un articolo su un blog per farvi capire quanto un regista sia importante.

Quindi, mi raccomando, venite a tenerci compagnia al prossimo spettacolo e, magari, conoscendo regista e attori, provate ad immaginare quali scene sono state ideate da chi.  C:

Note di Regia

Il Pensiero dietro alla Rassegna

La rassegna

La rassegna “Il Teatro di Goldoni” prende le mosse dalla collaborazione della compagnia La Gilda delle Arti con i comuni di Osio Sotto, Ciserano, Boltiere e Verdellino, e nasce con l’obiettivo mettere in scena un genere teatrale che ha reso celebre l’Italia in tutto mondo: la Commedia dell’Arte.

Gli spettacoli che compongono la rassegna sono quattro e affrontano, partendo da diversi approcci, il fil rouge dell’intero programma. L’autore di riferimento per ogni adattamento è Carlo Goldoni, che dedicò tutta la sua vita al teatro e che, probabilmente, è la fonte più autorevole per ricostruire lo stile dei Comici dell’Arte senza perderne la vitalità.

Gli spettacoli

Il primo testo in programma è “L’Arlechì, servitore di due padroni”. Si tratta di un adattamento del celebre testo di C. Goldoni “Il servitore di due padroni”, in cui il protagonista cerca maldestramente di accontentare due padroni diversi, senza rendersi conto di combinare continuamente pasticci e malintesi. La rivisitazione che proponiamo è volta essenzialmente in tre direzioni: ridurre la durata dello spettacolo a circa 70 minuti; sostituire lo zanni originale, Truffaldino, con la più famosa maschera di Arlecchino; convertire, infine, il dialetto Settecentesco del copione goldoniano con la parlata bergamasca dei giorni nostri.

Il secondo spettacolo in programma è “La Famiglia dell’Antiquario, ossia la suocera e la nuora”. Anche in questo caso abbiamo ripreso l’omonimo testo di Goldoni e l’ha adattato in termini di lingua e di durata. La trama è ancora una volta un intreccio di fraintendimenti, questa volta tra le padrone di casa; i battibecchi che animano la vicenda sono causati dalla gelosia tra le due donne e sono fomentate dai servitori Arlecchino e Colombina. A fare da paciere è il mercante Pantalone dei Bisognosi che, dopo molti tentativi andati a vuoto, trova una soluzione per far convivere sotto lo stesso tetto una suocera e una nuora.

Il terzo appuntamento della rassegna presenta “La Locandiera”, uno dei testi più celebri
e amati della tradizione teatrale italiana. Questo spettacolo è il frutto della riflessione di Carlo Goldoni sul teatro della Commedia dell’Arte: senza rinunciare al carattere intrigante e comico di Colombina, all’intraprendenza di Brighella e alla presunzione del Capitano, l’autore crea dei personaggi senza maschera, ribattezzandoli rispettivamente Mirandolina, Fabrizio e Cavaliere di Ripafratta. Questo copione segna di fatto la fine della Commedia dell’Arte per il teatro italiano, e la nascita di una nuova stagione letteraria, aperta ai contributi provenienti dalla Francia e dall’Inghilterra, rappresentati in massima parte dalle opere di Moliere e di Shakespeare.

L’ultimo spettacolo della rassegna è “Il capolavoro della vita” e si tratta di una rilettura dell’opera “Memorie” di Goldoni. In un testo fresco e vivace, l’autore ripercorre tutta la sua vita, soffermandosi principalmente sugli spettacoli creati e sugli attori frequentati in gioventù. La Gilda delle Arti propone questo testo a conclusione della rassegna perché, attraverso le parole stesse di Goldoni, si può ricostruire cosa fosse davvero la Commedia dell’Arte a metà Settecento: essa è osservata senza filtri da un contemporaneo, che poteva considerarne pregi e difetti, punti di forza e debolezze. Oltre a fornire una visione retrospettiva dell’intero progetto, lo spettacolo è anche l’occasione di raccontare la storia di un uomo che ha vissuto la sua vita così intensamente e serenamente da farla diventare un vero e proprio capolavoro.

La Commedia dell’Arte…

La Commedia dell’Arte è un genere teatrale sorto nel corso del secolo XVI e sopravvissuto fino alla fine del Settecento. In termini moderni si potrebbe definire “commedia dei professionisti” perché nel Medioevo la parola “Arte” significava “mestiere, professione, corporazione”, e si differenziava nettamente dal teatro amatoriale o dei dilettanti. A inventare e  diffondere la Commedia dell’Arte furono, in effetti, gli attori di professione che, riuniti in compagnie o famiglie itineranti, portarono i loro spettacoli in tutta Europa.

La Commedia dell’Arte si può definire un teatro “all’improvviso” perché gli spettacoli non presupponevano che gli attori studiassero un copione; essi si basavano invece sulla propria esperienza di scena, che li rendeva capaci di creare uno spettacolo in maniera estemporanea: una volta concordata una scaletta di scena con i principali snodi della storia, detta “canovaccio” o “scenario”, gli attori salivano sul palco e si esibivano scegliendo personalmente le battute, i frizzi o i lazzi che appartenevano al loro bagaglio professionale.

Una delle caratteristiche più amate della Commedia dell’Arte è certamente la presenza di maschere o “tipi fissi” che, come Arlecchino, Pantalone e Brighella, erano presenti in tutte le vicende con i rispettivi dialetti e le relative personalità, maschere e livree. Uno spettacolo era composto in genere da una o due coppie di giovani innamorati; uno o due servi, una servetta, i vecchi, come Pantalone e il Dottore, e il Capitano.

…Oggi

Per sua stessa natura, la Commedia dell’Arte è sempre stata una manifestazione orale, non suscettibile di trascrizioni; paradossalmente, un attore che oggi imparasse una parte a memoria, fosse anche quella di Arlecchino, non starebbe facendo Commedia dell’Arte. Mancherebbero infatti dei requisiti fondamentali, come l’uso del canovaccio e l’improvvisazione. Uno spettacolo di “vera” Commedia dell’Arte sarebbe quindi un esperanto di  battute, canzoni, brevi scenette comiche e monologhi tratte dal repertorio di ogni singolo attore, capace di scegliere i migliori escamotage scenici per ogni occasione.

Pertanto, se  oggi  ci si vuole accostare alla Commedia dell’Arte, bisogna ricorrere a quei poeti che nel corso del secolo XVIII hanno realizzato dei copioni scritti, basandosi sulle maschere, sui frizzi e sui lazzi delle Commedie che da molti anni giravano in tutta Europa

 Perché Goldoni

Carlo Goldoni, poeta veneziano vissuto nel XVIII secolo, è uno dei principali autori di riferimento quando si cerca di ricostruire la storia della Commedia dell’Arte. Nell’arco della sua vita, infatti, lavorò per diverse compagnie teatrali specializzate nel lavoro con le maschere, e scrisse canovacci e scenari per i principali attori dell’epoca. Tuttavia, col trascorrere degli anni, cominciò ad auspicare un’evoluzione delle forme del teatro italiano. Le principali mancanze che ravvisava erano la ripetitività delle trame, la scarsa profondità psicologica dei personaggi, e la totale assenza di realismo nelle vicende rappresentate. Inoltre, trovava nella maschera una limitazione delle capacità espressive degli attori.

Così, a partire dal 1738, cominciò a scrivere copioni teatrali che definissero, oltre alla trama, le battute di ogni singolo interprete: non eliminò sin da subito i personaggi che il pubblico tanto amava, e scrisse diverse opere in cui i protagonisti restavano i “tipi fissi” della Commedia dell’Arte; invece scelse una strategia graduale e, per gradi, dotò i personaggi di profondità psicologica, modificando al contempo le trame narrate. Alla fine del suo percorso scrisse un vero e proprio capolavoro della letteratura italiana, La Locandiera, in cui le maschere sono scomparse e convertite in personaggi realistici, come il Cavaliere, il Conte e Mirandolina.

La tradizione interpretata dai giovani

La nostra compagnia lavora sui testi originali con rispetto, ma anche con la freschezza e l’entusiasmo di un gruppo di giovani che ha trovato nelle grandi opere del passato il modo di esprimere valori che ancora oggi, a distanza di più di due secoli, fanno immedesimare, sospirare e divertire il pubblico. Lo stile di lavoro è quello di assimilare il copione per poi rielaborarlo in una chiave sensibile ai gusti degli spettatori dei nostri tempi: innanzitutto, si rinuncia alla resa integrale dell’opera, e la si riduce a un massimo di 80 minuti, per non rendere l’appuntamento con il teatro un onere gravoso in termini di tempo. In secondo luogo si lavora sulla lingua, nel tentativo di ammodernarla senza perderne il piglio. E, infine, ci si diverte a creare nuovi lazzi e situazioni comiche volte a coinvolgere ancora di più gli spettatori, per dare l’impressione che lo spettacolo sia stato scritto proprio per loro.