La parola agli attori

Nel corpo di uno sconosciuto

Negli scorsi due articoli, Laura e Valeria hanno ben descritto il nuovo spettacolo che La Gilda delle Arti sta preparando: Casa di Bambola del buon Henrik Ibsen.

Un’opera assai diversa dagli spettacoli che siamo soliti portare in scena, una vera sfida per molti di noi. 
Per questo mi è stato chiesto di scrivere questo articolo, per raccontare delle difficolta trovate nell’interpretare un personaggio tanto diverso dall’attore che lo interpreta, nel mio caso “Nils Krogstad”: il freddo strozzino che darà tanti problemi alla dolce Nora. 
 
Un articolo molto più personale del solito dunque, una sorta di mio diario circa il periodo delle prove per “Casa di Bambola” col quale far conoscere a voi lettori tutte le magagne che si nascondono dietro il meticolosissimo lavoro di immedesimazione per questo nuovo, particolare progetto.   

Ora, per capire meglio l’origine del difficile rapporto tra me e Nils, vi confesso che la mia esperienza come attore all’interno della Gilda è sempre stata risate, burle,”tarallucci e vino”.  

Dopo il primo ruolo nell’Academy in Otello, tutti  i personaggi che sono andato  ad interpretare rispecchiavano sempre in un modo o nell’altro la mia personalità:  da Valafrido de Il principe scambiato con i suoi vuoti di memoria e il fare scanzonato e irriverente, a il Cavalier del Bosco ne La famiglia dell’antiquario che dopo aver fatto da spoletta tra suocera e nuora, sviene e viene portato fuori di peso dalla domestica, o il borioso e fanfarone dottor Purgone de Il malato immaginario, per non parlare in fine poi dei personaggi interpretati durante le visite guidate, come il gioviale Conte Benaglio che accoglie i visitatori in casa sua o Antonio Ghislanzoni e le sue invettive contro Manzoni. 
 

“Ma Gio, sei tanto bravo e simpatico, ma cos’hanno in comune tutti questi ruoli?”
Oh, carissimo affezionato lettore del Blog della Gilda, è semplicissimo: tutti questi ruoli erano ruoli leggeri, comici perfino. Reggono tutti, da soli o in compagnia di personaggi altrettanto fuori di senno, solitamente interpretati dal buon Daniele con il quale mi diverto a stuzzicare il pubblico, la linea comica dello spettacolo. Per usare un termine tecnico tanto caro ai cinefili d’oltreoceano, svolgono il ruolo di “Comic relief, ovvero alleggerire la trama tramite la comicità  

Ma in questo caso no. In questo caso è tutto diverso. 
 
“Casa di Bambola” è uno spettacolo serio, reale, un vero e proprio spaccato di vita della Norvegia del XIX secolo (e di certo non uno dei più piacevoli). 
Nella vita di Nora non c’è spazio per le facezie di un pagliaccio. Gli unici momenti di gioia e leggerezza sono effimeri e, spesso, come si vedrà durante lo spettacolo, completamente finti. 
E di certo questi piccoli momenti di leggerezza all’interno della trama non vengono portati da Krogstad che, mi si permetta la citazione, “Non deve far ridere perché non c’è niente da ridere! Non è la linea comica!” . 

Renè mi dà la sua opinione circa il personaggio di Krogstad, dopo che ho cercato recitarlo con “il chiaro accento tedesco, come da copione”

Quindi niente più battute, niente più umorismo slapstick o mazzate in testa e, soprattutto, niente più rotture della quarta parete e ammiccamenti al pubblico (sigh), sul set di questa pièce si fa sul serio! 

Tanto si fa sul serio che anche il modus operandi della preparazione di uno spettacolo ha subito un’imprevista variazione: a differenza degli altri spettacoli, prima di cominciare a studiare il copione, ci è stato richiesto di compilare un identikit del personaggio

Queste schede andavano compilate dal punto di vista del personaggio, rispondendo a sia domande triviali del tipo “gli piace il suo lavoro?”, “pregi e difetti?” fino ad arrivare a domande ben più profonde, come per esempio “quali sono i suoi valori?”. Questa parte, devo ammettere, è stata la più semplice, anche perché da inveterato giocatore di giochi di ruolo, questo non era nulla di più che compilare la “Scheda personaggio” prima di una campagna… solo senza incantesimi e inventario per armatura e pozioni. 

Chiara rappresentazione dell’allineamento dei vari personaggi, dei registi e del gatto di Miriam. Non avete idea di quanto gli piaccia giocare con la webcam.

La parte più interessante di questo lavoro preventivo sul personaggio però è stata la discussione che è seguita alla compilazione dell’identikit. In chiamata online (durante una pandemia globale si fa quel che si può) ognuno ha letto ciò che pensava sul personaggio preso in questione. Già in questa parte molti di noi, io compreso, si sono resi conto di aver trattato troppo male il proprio personaggio. Abituati com’eravamo alle principesse e agli Arlecchini, messi davanti ad un personaggio “vero”, molti di noi hanno trovato ben pochi pregi e fin troppi difetti nella personalità di chi dovevamo interpretare. 

Grazie ai pareri di Miriam e degli altri membri della compagnia, che ci hanno aiutati a vedere anche i personaggi che noi consideravamo negativi sotto un’altra luce ben più umana e comprensiva, siamo riusciti a empatizzare di più con in nostri personaggi e a calarci nei loro panni. Tutto sommato, Krogstad non è una canaglia senz’appello come pensavo, c’è del buono in lui, e questo di certo mi ha aiutato a interpretarne la parte. 

Dopo un simile lavoro, si passa alla parte corposa: le prove vere e proprie! 
Purtroppo, limitati dalla pandemia ma ligi ai DPCM , anche queste hanno avuto luogo online in coppia, un dialogo per volta, con l’onnipresente Miriam che dirige e osserva. 

Dal mio primo dialogo con Marzia (che interpreta il personaggio di Nora) ho subito capito che preparare questa parte avrebbe richiesto sangue sudore e lacrime. I sorrisetti sono banditi, i movimenti non necessari proibiti, sopracciglia immobili, voce sicura e ferma, etc. etc. Per la prima volta, insomma, ero chiamato a comportarmi in maniera naturale sul palco, ma seguendo una natura che non corrispondeva alla mia. Ed è stato dannatamente difficile! 
 
Krogstad è un personaggio tormentato, con un passato criminale e per certi versi oscuro. Non ha intenzione di ammorbidirsi davanti alle debolezze e ingenuità di Nora. Duro e determinato, è quanto di più lontano dalla mia personalità, che è decisamente più affine a quella di un Golden Retriever non particolarmente sveglio. E soprattutto, fortunatamente, il mio passato è davvero meno travagliato del suo, senza lutti matrimoniali né, tantomeno, una vita da criminale (Signor-agente-dell’FBI che mi spia dalla webcam mentre scrivo,  giuro di essere innocente!!!). 

Quindi, come una secchiata d’acqua gelida, piovono le prime critiche della regista. “muoviti di meno”, “ti è scappato un mezzo sorriso”, “più fermo nelle intenzioni”, “rifacciamo”, “ancora una volta!” e ogni volta che ti rendi conto che l’interpretazione non è abbastanza vera, ripensi con nostalgia ai personaggi macchietta e alle battute improvvisate con Daniele e Giovanni F. durante Il principe scambiato. Tutto sommato, rispetto alle prime prove di Casa di Bambola, le mazzate in testa non erano così male… 

E le critiche della regista non sono la parte peggiore. Senti di star scimmiottando un estraneo piuttosto che star interpretando uno strozzino norvegese e, più ci impegno ci metti, meno naturale esce il dialogo. Risultato? Sei vicino a gettare la spugna. Per di più, buona parte delle mie battute sono insieme a Marzia, attrice assai avvezza a calarsi nel suo personaggio, sia per sua bravura che per il fatto che, avendo molte più battute di noi altri, ormai è già rodata e nel personaggio.E quindi il morale scende, provi e riprovi ma ancora non va. 

Ma poi un ricordo torna alla mente: quando Miriam al telefono ti ha proposto il ruolo dicendo “Gio, so che è difficile ma sento che ce la puoi fare. Se non ne fossi convinta, non te lo avrei nemmeno proposto”. 

Bam! Gli spinaci per Braccio di Ferro, la pozione magica per Asterix, la botta di adrenalina di Ms. Wallace in Pulp fiction, Gandalf che attacca all’alba cavalcando coi Rohirrim al Fosso di Helm! Si è di nuovo in piedi col morale alle stelle pronti a dare del proprio meglio!  

Precisissimo grafico redatto dal nostro team di esperti dopo aver assistito alle prove.

Incoraggiati da questo e dai propri compagni, allora si comincia a lavorare con impegno sulla scena e, tra un improperio detto a denti stretti e microfono spento e un pensiero ingiurioso rivolto alla buon’anima di Ibsen, si porta  a casa la scena! Penna ed evidenziatori in mano, si riempie il copione di appunti e annotazioni, tanto da far invidia ai manuali di storia generale ad una settimana dall’esame. 

Sarò sincero, mai in anni di militanza nella Gilda sono arrivato al termine di una prova tanto provato ma fiero di me. Certo, era bello divertirsi ad interpretare maschere e macchiette che uscivano alla prima prova, ma la soddisfazione di sentirsi dire dopo due ore di prove “Bravo! Era questo che intendevo!”, non ha prezzo. 

Mettersi nei panni di una persona così diversa, di un’altra epoca e con ideali totalmente agli antipodi dei propri, dona tutt’un altro punto di vista su un mucchio di cose e, per quanto si possa provare a empatizzare con un personaggio guardando un film o leggendo un libro, quest’immedesimazione così profonda è un privilegio esclusivo di chi, come noi, vive da dietro le quinte il teatro (e, mutatis mutandis, il cinema). 

Alla prima sarà stupendo, finalmente potremo mettere in scena il frutto di mesi di prove. 
Ho però degli obiettivi molto personali circa lo spettacolo: spero di riuscire a trasmettere al pubblico che verrà a vederci il senso profondo che solo un’interpretazione sentita di Krogstad riuscirebbe a dare. Spero di riuscire a far capire che Nils non è un criminale dal cuore di ghiaccio come io, a una lettura superficiale del copione, avevo erroneamente pensato. Ma soprattutto spero di riuscire a rendere giustizia a un personaggio complesso e ben scritto, che merita di certo tutto l’impegno che sta venendo messo nella preparazione di questo spettacolo. 
Possibilmente senza incorrere nelle ire del fantasma di Ibsen: non dev’essere bello avere il fantasma di un drammaturgo norvegese che gira per casa ricordandoti quanto la tua interpretazione mediocre lo abbia fatto rivoltare nella tomba. 

Nonno Simpson, dopo aver visto il nostro spettacolo, ci da la sua interpretazione del personaggio di Krogstad.

Bon, diario di bordo delle mie peripezie finito.  

Alla fine ho finito per affezionarmi a Krogstad, in un modo o nell’altro, quasi come se lo conoscessi davvero … e, perché no, anche di essere cresciuto come attore.  Tutto sommato non è restando nella propria comfort zone che si migliora, nella bambagia si sta comodi ma non si esplora né si impara molto.  

Tra le domande dell’Identikit ce n’era una molto particolare: “saresti suo amico?”, avevo risposto “no” senza esitazione. 

A mesi di distanza, penso di star cominciando a cambiare idea. 

Articoli di Fondo

Il Teatro ai tempi del Coronavirus

I comici dell’Arte lo sapevano: dopo il Carnevale, addio spettacoli! Almeno fino a Pasqua.

Certo, perché inizia la Quaresima: quaranta giorni di penitenza, riflessione o, se volete, purificazione per meglio accogliere il mistero Pasquale. È chiaro che, se devo pensare alla salute della mia anima, mica ci vado a vedere le Colombine e le Servette con quei bei decolté, fatti apposta per ingolosire gli spettatori. E mica pago per andare a ridere di lazzi e  battutacce, non sempre eleganti, giocati sugli istinti e sulle bestialità dell’uomo: tra sputazze, intrighi, inganni, diavoli che si chiamano con la formula “Berlich” e si scacciano con “Berloch” e  doppi sensi a tutto spiano, forse, mi sarei un tantino dimenticata dal monito del Mercoledì Santo “polvere sei e polvere ritornerai” (che per fortuna ora suona come un più dolce invito: “convertiti e credi al Vangelo”).

Insomma… dopo il Martedì Grasso, il teatro si fermava. Curioso che qui a Bergamo, la patria di Arlecchino e di Brighella, il fatidico STOP agli spettacoli sia scattato proprio nella domenica di Carnevale. Curioso che, dopo secoli dopo il tramonto della Commedia dell’Arte, si sia riesumata una misura restrittiva che durerà, più o meno, fino a Pasqua.

Ma di cosa mi stupisco, dopotutto? Siamo sinceri: quanti video e post che girano su Facebook e Whatsapp ce lo dicono? Dalla peste di manzoniana memoria, alle misure prese nel Medioevo per arginare le epidemie, ai servizi dei telegiornali dell’istituto “Luce” che parlano dell’influenza asiatica, direi che la mia riflessione sul teatro della serie non-c’è-niente-di-nuovo-sotto-il-sole non è proprio una trovata che brilla di originalità.

Servizio dell’Istituto Luce che, nel 1957, documenta la diffusione dell’influenza asiatica in Italia… interessanti le varie raccomandazioni!

Ma tant’è: come i colleghi di Goldoni, anche noi abbiamo interrotto bruscamente la nostra stagione… e se tralasciamo i dettagli che:

  • il divieto è stato emanato dalle autorità civili e non religiose,
  • i comici dell’arte non avevano da annullare delle date fissate in quaresima (perché semplicemente non le avevano programmate),
  • in gioco non c’è la salute delle anime ma degli spettatori in carne e ossa,

direi che noi attori siamo sulla stessa barca di quelli del Settecento. Anzi, dirò di più. Siamo sulla stessa barca anche dei sacerdoti, dato che in questo strano periodo sono sospese le messe. Un parallelismo non così incredibile, se anche Paolo Grassi, il co-fondatore del Piccolo Teatro Stabile di Milano con Giorgio Strehler, descriveva così il Teatro:

Il luogo dove una comunità liberamente riunita si rivela a se stessa, il luogo dove una comunità ascolta una parola da accettare o da respingere.

Ma basta coi discorsi sui massimi sistemi. Torniamo ai nostri tempi, magari evitando di rubare altre citazioni (che tra Paulo Coelho per il titolo, la liturgia per le Ceneri e da ultimo Paolo Grassi, ho già fatto sufficiente razzia).

Torniamo al Teatro in Quarantena.

Che c’è da dire? In effetti non molto: semplicemente, gli spettacoli, le prove, i festival, gli stage sono stati rimandati o cancellati, e la ragione è che è entrato, sulla scena del Teatro, il Coronavirus… e il mondo è troppo piccolo per tutti e due.

I problemi che si ripercuotono sul nostro lavoro di teatranti sono evidenti anche a chi non è del mestiere: no spettacolo, no party, no money. In più, senza prove, non si può nemmeno profondere energia nella creazione di uno spettacolo nuovo. Non da ultimo, c’è l’incertezza di quanto durerà quest’emergenza, che porta ad annullare (e non a rimandare) gli spettacoli e rende praticamente impossibile programmare il lavoro dei prossimi mesi.

E non è un modo per piangersi addosso, sia chiaro. È semplicemente un dato di fatto.

Avete presente il panico che è esploso quando è trapelata la bozza del Decreto che chiudeva la Lombardia? Tutti che dicevano: ma allora chiudono le aziende? E i lavoratori? Come faranno a tirare fine mese? Ecco. Noi viviamo lo stesso panico: se chiudono i teatri fino a data da destinarsi… la nostra azienda chiude!

Non tutti i mali vengono per nuocere.

Ci sono ricaduta, nel citazionismo, ma ho una buona ragione per farlo. Parlando con degli amici che lavorano come impiegati, questa frase è saltata più o meno fuori, in un bel momento di ottimismo.

“Vedrete che questa è la volta buona che ci svegliamo per lo smart-working. Vedrete che finalmente cominceremo a lavorare da casa e ci allineeremo ai Paesi più avanzati, dove è già la normalità.”

Io, che lavoro nel teatro e come guida turistica, ascoltavo pensierosa; con un po’ di amarezza, ho risposto:

“Sì, però dipende dai lavori che fai. Io, nel mio, ho bisogno della gente.”

E non è per essere attaccata al passato o per difendere una presunta purezza del mestiere. Senza pubblico non c’è teatro, e se non ci sono turisti non ci sono visite guidate.

In Facebook mi sono imbattuta in questo articolo di Enrico Galiano che fa riflettere sulla necessità del contatto tra persone per educare. Se vi interessa, lo trovate qui.

Leggevo in questi giorni dei suggerimenti da parte di persone che intervenivano nelle discussioni tra noi lavoratori dello spettacolo su Facebook, e c’era qualcuno che proponeva: fate spettacoli in streaming!

Mi è venuto da sorridere.

A parte che il pubblico è disaffezionato in generale al teatro e che, se non fai qualcosa di davvero interessante o richiesto, se non ti inserisci in una rassegna e non fai una marea di pubblicità, difficilmente avrai frotte di pubblico pagante.

Figurarsi se c’è gente che, avendo Netflix o Amazon Prime, decide di pagare un biglietto (poi, come…?) per vedere uno spettacolo in streaming.

Poi, a parte i monologhi o gli spettacoli con tre-quattro attori, che cosa puoi mettere in scena? Io faccio parte di una compagnia teatrale, e semplicemente le prove sono considerate “assembramento”.

Figurarsi uno spettacolo con 7-8 attori, a cui aggiungere regista, tecnico audio e video! E poi, dove lo giro? Noleggio un teatro? Pago un tecnico per fare le riprese, dando per scontato che rientrerò nelle spese? Faccio da me e rischio di creare un contenuto scadente che faccio pagare?

E, ultimo ma non ultimo… che razza di teatro è, quello in cui non c’è il pubblico? Personalmente, a parte qualche rarissima eccezione, non sopporto gli spettacoli in cui c’è un tetto massimo di poche decine di spettatori, non per limiti fisici dello spazio scenico, ma “per mantenere l’atmosfera”.

Figurarsi cosa posso pensare di una messa in scena in cui non c’è nemmeno uno spettatore!

Un attore come Maurizio Crozza che, pur facendo televisione, non ha mai rinunciato al pubblico in sala, confessa la sua desolazione davanti al pubblico di “500 seggiolini”. Trovate il video del suo monologo qui.

Il punto è, e chi fa teatro lo sa, è che essere in scena significa esattamente parlare al pubblico. Lo spettacolo è comunicare qualcosa, e aspettare anche la reazione della gente: se fai una battuta e non ride nessuno, la scena successiva ne risente. Se c’è un duello e nessuno sospende il fiato, la tua interpretazione non sarà intensa come quando hai centinaia di occhi puntati addosso. Se finalmente arrivi al punto in cui l’intreccio si scioglie, ma nessuno tira un sospiro di sollievo… lo sai anche tu che non stai facendo uno spettacolo. Stai facendo una prova.

E vi dirò di più. Anche il pubblico lo sa, che vedere uno spettacolo dal vivo o registrato non è la stessa cosa. Pretendereste che la gente non vada ai concerti perché tanto c’è YouTube Music o Spotify? No, perché non è la stessa cosa. Il teatro, lo spettacolo… sono carne, sangue e sudore. Respiri che si sentono, imperfezioni, colpi di tosse nel pubblico (rigorosamente protetti nell’incavo del gomito). Il teatro è presenza. È vivere qualcosa tutti insieme, ognuno con la sua sensibilità, ma tutti nello stesso luogo, nello stesso momento, proiettati nella stessa azione… perché, se le unità aristoteliche sono state superate nella drammaturgia, non si possono scavalcare nella messa in scena.

Una delle scene più belle di Finding Neverland – Un sogno per la vita è quando il protagonista invita, per il debutto dello spettacolo, venticinque orfani in sala. Loro, il pubblico che non si fa influenzare dai critici, sono il vero motore del successo della serata!

E quindi? Soluzioni? Eh, sinceramente non ne ho trovate: a parte aspettare che finisca quest’alta, altissima marea che mette in crisi un po’ tutti, penso che l’unica cosa da fare sia provare a prendere la rincorsa. Magari trovare il modo di riderci sopra, e accogliere questa interruzione forzata come l’opportunità per progettare qualcosa di buono.

E a chi ci dice “trovati un lavoro vero” cosa rispondiamo?

Bè, che ha ragione. Fare l’attore o il regista difficilmente è considerato “un lavoro vero”, ma un’amenità che qualcuno può permettersi grazie alle sue doti istrioniche. Non si pensa mai che sia frutto di studio, di prove, di doti artistiche da coltivare, di lavoro in team, di capacità organizzative e elasticità mentale. È considerato essenzialmente un passatempo.

Eppure, il teatro (disturbiamo ancora una volta Paolo Grassi) è

fra le arti la più idonea a parlare direttamente al cuore e alla sensibilità della collettività. Noi vorremmo che autorità e giunte comunali si formassero questa precisa coscienza del teatro considerandolo come una necessità collettiva, come un bisogno dei cittadini, come un pubblico servizio alla stregua della metropolitana e dei vigili del fuoco.

Ora è il momento di calare il sipario su una riflessione aperta, a cui sarebbe gradevole aggiungere altre voci e prospettive: le vostre, se volete.

Ma, prima di lasciarvi, come posso chiudere questo articolo, sintetizzando in una frase ciò che vorrei comunicare? Ci vorrebbe una voce autorevole, un’espressione lapidaria, che rimanga impressa…

(Ho fatto trenta… faccio trentuno. Cosa suggerisce Paolo Grassi?)

Il Teatro ha bisogno dei cittadini.

La parola agli attori

Cosa succede dietro le quinte

Quando ero piccola, entrando in un teatro, rimanevo affascinata da tutto quello che mi circondava. Immaginavo che tutte gli oggetti presenti fossero animati: per me le poltrone rosse attendevano solo che il loro ospite decidesse finalmente di abbandonarsi al loro abbraccio e di godersi lo spettacolo; le luci, con il loro scintillio, erano impazienti all’idea di seguire gli attori durante i combattimenti con le spade e già si commuovevano al pensiero di dover cogliere tutti i baci e i sospiri degli amanti che di lì a poco sarebbero andati in scena; il sipario aspettava solo il momento giusto per aprire il suo manto e catapultare gli spettatori in un mondo magico.

Ecco, il teatro per me è un mondo magico. Qui possiamo assistere ad incredibili atti di coraggio, impossibili storie d’amore o ad avventure che lasciano senza fiato.

Nonostante il piccolo particolare che io adesso sia considerata una donna adulta, devo dire che quando entro in un teatro rimango affascinata e stupita come se fossi tornata bambina. Se doveste venire con me a vedere uno spettacolo, una volta entrati in sala, probabilmente mi vedreste con il naso all’insù e con la bocca aperta ad ammirare quella meraviglia.

Teatro Sociale di Brescia

Se quando ero più piccola attendevo l’inizio dello spettacolo scalciando e correndo in giro adesso mi soffermo a guardare con occhio critico ogni più piccolo particolare: il sipario, le luci, le poltrone, le maschere, ecc. Credo però che la cosa più interessante sia vedere le ombre dei piedi degli attori che si muovono dietro al palcoscenico. Mi chiedo sempre che cosa staranno facendo: staranno ripassando la parte o magari stanno scherzando tra loro? Una volta aperto il sipario la curiosità diminuisce e rimango rapita dallo spettacolo. Qualcuno però potrebbe essere più curioso di me e anche durante lo svolgimento dello spettacolo continua a pensare a cosa starà succedendo dietro le quinte. Io non posso raccontarvi quello che fanno tutti gli attori quando non sono in scena ma vorrei portavi dietro le quinte di un nostro spettacolo, potrete sbirciare lì dove al pubblico solitamente è proibito guardare.

Dietro le quinte di un nostro spettacolo, L’Arlechì servitore di due padroni

Raccontarvi “solo” del dietro le quinte, però, mi sembrava un po’ poco quindi ho deciso di spiegarvi cosa succede durante la giornata tipo di uno spettacolo. Per cominciare stabilito il punto di ritrovo e, dopo aver composto tetris perfetti nei bagagliai delle macchine con tutti gli oggetti di scena, le strutture, le sedie, i tavolini, i microfoni e un’infinita serie di cavi e cavetti, finalmente siamo pronti a partire. La fedele carovana segue diligentemente il nostro direttore artistico, Nicola Armanni. Senza di lui probabilmente saremmo ancora dispersi per qualche strada della bergamasca. Essendo una compagnia itinerante ci esibiamo sempre in luoghi diversi e il viaggio ormai è diventato una parte fondamentale, almeno per me, del vivere la compagnia teatrale. Durante questi viaggi, lunghi o brevi, facili o impervi, sono nate amicizie e in alcuni casi anche l’amore. Tornando al nostro racconto, una volta raggiunto il teatro per prima cosa iniziamo a scaricare tutte le macchine: devo dire che distruggere ogni volta questi capolavori dell’organizzazione mi dispiace, tanto ho la certezza che una volta smontato tutto qualcosa non ci starà più. Una volta scaricato il malloppo ci si divide i compiti: montare la struttura che usiamo come fondale, sistemare gli oggetti che dovremo utilizzare in scena, predisporre i microfoni, settare le luci, ecc. Con gli anni a tutti è stato affidato un ruolo e tutti ormai lo conosciamo e lo svolgiamo alla perfezione. Durante questa prima parte della nostra giornata insieme si ride e si scherza, ci si raccontano le novità e si chiacchiera con leggerezza, senza mai dimenticare di fare qualche story su Instagram. Siamo una famiglia, e come a un pranzo domenicale con i parenti condividiamo quello che è successo nel corso dei giorni precedenti. Siamo un gruppo affiatato e grazie alla passione del teatro sono nate delle splendide e durature amicizie, proprio come racconta Valeria nel suo ultimo articolo

Il magico trio tutto al femminile dell’Arlechì: io, Miriam e Sara

Dopo aver predisposto tutto quello che ci occorre per lo spettacolo iniziano le prove dei microfoni: qui, come un direttore d’orchestra, Nicola ci dirige in un concerto dissonante di frasi ripetute fino allo stremo. Ognuno di noi poi viene chiamato per la sua parte da solista: io devo dire che sono abbastanza ripetitiva, ogni volta attacco con uno dei monologhi scritti per me da Miriam Ghezzi, nostra regista e drammaturga, per lo spettacolo “La famiglia dell’Antiquario”. Sarà che è uno degli spettacoli che più mi è rimasto nella memoria, forse è quello che più mi è rimasto nel cuore. Continuano le prove audio, tutti gli attori vengono ammoniti sempre con la stessa frase:” Ora rifalla recitando”. Dopo che Nicola, soddisfatto, ci congeda dalle prove audio scatta il momento di riposo, dobbiamo recuperare tutte le energie perse per poter essere pronti per lo spettacolo. Inizia allora la lotta per l’egemonia sul mixer, tutti vogliono vincere ma solo uno avrà l’onore di decidere la musica. Puntualmente io e Giovanni, attore nella compagnia, iniziamo a battibeccare su quale sia la canzone più bella o più adatta al momento. Arriva il momento di prepararsi, manca sempre meno allo spettacolo. Iniziamo a ripassare le scene salienti dello spettacolo, sotto l’attento occhio di Miriam e Nicola. Una volta terminate le prove si passa al trucco e al parrucco: fondotinta, mascara, spazzole e ciprie inondano i tavoli dei camerini, lo specchio viene occupato e c’è sempre qualcuno che ha dimenticato qualcosa. 

Una volta terminato si indossano finalmente i costumi e dal camerino ci si sposta sul palcoscenico. Ecco, se dovessero chiedermi cosa sicuramente conserverò della mia esperienza nel teatro sono proprio quei momenti trascorsi sul palco con il sipario chiuso. Si percepisce concentrazione, agitazione e forse un pizzico di paura ma anche tanta energia e tanta voglia di entrare finalmente in scena. È forse il momento più importante di tutto lo spettacolo: qui raccogliamo le forze per poter dare il cento per cento sul palcoscenico. Nonostante la maggioranza dei sentimenti e delle sensazioni ci accomunano ogni membro della compagnia affronta quei minuti in maniera diversa: Sara sparisce, improvvisamente non la trovi più da nessuna parte ma non bisogna agitarsi, sta semplicemente cercando il suo personaggio e quando l’avrà trovato sarà pronta ad andare in scena; Nicolas sceglie un punto e sta lì, fermo, con il copione intento a leggere attentamente tutte le sue battute, anche se le conosce tutte a memoria ha comunque paura che qualcosa gli possa sfuggire. Io inizio a camminare, mi piace percorrere tutta la larghezza del palcoscenico. Nel frattempo, in realtà non penso allo spettacolo o alle battute, forse anche io come Sara cerco in me il personaggio che dovrò interpretare e spero sempre di riuscire a trovarlo in tempo. Il tempo passa e ora è arrivato il momento di andare alle luci della ribalta, tutti pronti per la prima scena ma prima non può mancare il rito scaramantico di tutti gli attori: “Merda, merda, merda!”.

Pochi minuti prima di entrare in scena, Il Principe Scambiato

Ricomponiamoci, lo spettacolo adesso inizia davvero. Dopo aver pronunciato la prima battuta tutto diventa più facile, lo spettacolo è partito e adesso nessuno ci può più fermare. Prima uscita, un po’ di respiro. Dietro si respira un’aria serena: c’è chi elemosina dell’acqua perché, come sempre, non l’ha portata o magari dei fazzoletti; si ride sottovoce alle battute dei nostri colleghi in scena e devo dire che a volte è davvero difficile non ridere a crepapelle, bisogna pur sempre non farsi sentire.

Dietro le quinte siamo stretti, abbiamo sedie, oggetti e copioni sparsi dappertutto. In mezzo a tutto questo ci destreggiamo con i cambi d’abito, forse una delle cose più difficili da fare dietro le quinte. Qui però ci prendiamo anche in giro, dopo aver portato in scena per tanto tempo uno spettacolo si imparano anche le battute degli altri e allora si iniziano ad imitare, a volte in maniera molto comica, quello che sta accadendo in scena.

Ovviamente si ripassano anche le scene, le uscite e le entrate e si raccoglie la concentrazione per fare quella scena che magari in prova non è venuta come desideravi. Ogni tanto ci si ferma semplicemente ad ascoltare quello che sta succedendo in scena, si rimane in silenzio per potersi godere, anche se solo con l’udito, la propria scena preferita dello spettacolo.

Giovanni e Stefano dietro le quinte de L’Arlechì servitore di due padroni

Sta arrivando la fine, mancano solo gli inchini. Qui la situazione diventa caotica, un continuo entrare e uscire di scena che potrebbe quasi far venire il mal di testa ma che, grazie all’applauso del pubblico, diventa un dolce movimento. Ultimo inchino, applauso al pubblico e tutti dietro le quinte. Il sipario si chiude, le luci si alzano e tutti ricominciamo a respirare. Ogni volta che portiamo in scena uno spettacolo provo un turbinio di emozioni e non importa se sia la sera della prima o la ventesima replica. Sarebbe bello permettere al pubblico di vedere tutto questo, tutto quello che un attore è prima, durante e dopo lo spettacolo. Con questo articolo spero di essere riuscita a trasportarvi in questa atmosfera. Certo, non è come essere presente con noi, dietro le quinte, forse però adesso potrete dire di aver scoperto un po’ di quel mondo segreto e nascosto che si cela dietro il sipario.